“Mejor actor de reparto”, de Mejor actor de reparto
En su debut discográfico, Mejor actor de reparto propone un
viaje adrenalínico y, por momentos, hiperquinético como resultado de una efectiva
mutación del rock-canción, que rompe con la estructura habitual de este género,
tantas veces abordado por infinidad de artistas, y le da una vida extra. Este
primer disco homónimo fue producido por una dupla de lujo: Pablo Romero (Árbol)
y Matías Méndez (Árbol, Nuca, El Chávez).
MADR es un cuarteto de rock-pop formado en 2009, en la
ciudad de Haedo, en el Oeste del Gran Buenos Aires. El grupo está integrado por
los ex Sobretodo de invierno: Mauro Duek (Voz y Guitarra), Matías Montes (Bateria
y Coros) y Alejo Lecuona (Bajo y Coros) a los que se suma el ex Nuca, Nicolás
Martín (Guitarra y Coros).
“Probablemente nada” sienta el tono potente y contundente
del disco desde el comienzo y la rockea mientras Mauro Duek gruñe: “Soy un
idiota, soy el que salta y rebota. La cara de indignación. La sala de espera
del sol…”. El sonido del inicio es ratificado por “El Oscar”, en el que juegan
con el nombre de la banda y el premio de la Academia de las artes y ciencias cinematográficas:
“Deberían haberme dado el Oscar al mejor actor de reparto”.
Pese a que rompe con la pulsión rockera que gobierna gran
parte de los mejores pasajes del álbum, uno
de los temas más interesantes es “Tren que tren”, que a base de una hermosa
melodía pone de manifiesto ciertos aires melancólicos y a la vez
esperanzadores: “Quien se va es quien puede volver”. Los sentimientos de
nostalgia afloran nuevamente en “No me guardes rencor”, pero en clave pop-rock.
Hay que subrayar la actitud de Mauro Duek en su debut
absoluto como cantante, que sorprende con sus alaridos y, por momentos, estos
rugidos son tan extremos (pero sin perder la afinación) que recuerdan a Johnny
Rotten, de los Sex Pistols. Justamente en el tema “Si queres”, la voz principal
enumera algunos enunciados bien punk: “Escupile a un ciego, reite de sus ojos,
pateale el palo si queres”. Además, Duek logra adaptar su asombrosa voz a las
diversas vertientes musicales que propone la banda y se luce en otros temas
como la balada antes mencionada “Tren que tren” y la canción pop “Hush”.
Los primeros acordes de la guitarra acompañados solamente
con la voz, invitan a parar la oreja en el comienzo de “Abiertamente falso”,
que incluye una autoreferencia del cantante: “Mi cabeza me dice: ‘Mauro ¿Qué
hacemos acá? Vamos a ver la tele’”, una formula que remite a dos grandes
clásicos del Rock en español: “Engánchate conmigo”, de Los Rodríguez (Mis amigos me dijeron Andrés, no te enamores
la primera vez y no les hice caso) y “Muy despacito”, de Los Piojos (Andrés
vení por favor, acompañame un poquito, dice uno sólo dame la mano).
Este debut discográfico del cuarteto de Haedo es un excelente material
que se destaca por un sonido original y por sus variantes musicales, al incursionar
en una búsqueda que va más allá de la simple canción. Incluso se animan a
llevarla al extremo al imprimirle una impronta bien rockera con las ásperas
guitarras de Duek y Nicolás Martín y la precisa base bajo-batería de Alejo
Lecuona y Matías Montes, que acompaña a la perfección y denota la calidad de
estos músicos. Por este álbum deberían darle el Oscar pero no como mejor actor
de reparto sino como protagonista de esta historia que comienzan a escribir con
éxito desde el punto de vista artístico. Mejor actor de reparto se presenta el próximo jueves 11 de abril, a las 21, en Makena (Fitz Roy 1519, Palermo) con entrada libre y gratuita. Una muy buena oportunidad para ver en vivo a esta banda, que se las trae.
El ex
cantante de Los Caballeros de la
Quema se presentó el domingo pasado en el lanzamiento del
ciclo “Bandas por Barrios” y repasó temas de su etapa solista y algunos clásicos de su anterior
banda. Más temprano había tocado Nicolás Martín, otro artista de la zona Oeste
del GBA.
Han pasado
20 años de la edición de “Manos vacías”, el primer disco de estudio que grabó
Iván Noble junto a Los Caballeros de la Quema, y en ese tiempo, como se suele decir, ha
corrido mucha agua bajo el puente. Es que el cantante ya no es aquel
rockero melenudo que recorría enérgicamente el escenario en musculosa y con sus
característicos shorts de jeans cortados. Tampoco su público está constituido
por una horda de jóvenes sedientos de rock que claman “somos los negros, somos
los grasas, pero conchetos no”, sino que sus fans predominantemente son mujeres
que, entre chillidos histéricos, le gritan “te re doy”. Sin embargo, el músico ha
sabido aggiornarse a estos cambios para seguir vigente.
Pero hay que resaltar que Noble sigue manteniendo sus
ideales y predisposición para apoyar iniciativas como “Bandas por Barrios”, que
apunta a establecer un circuito permanente de shows musicales para bandas
barriales y emergentes en lugares de música en vivo y en espacios públicos del
ámbito de la Ciudad
Autónoma de Buenos Aires. “Es un placer tocar al aire libre en un día como este para todos
ustedes. Es un placer que la música salga a la calle y sobre todo si el motivo
principal es que las bandas que arrancan o las que están hace un tiempo pero
les cuesta mucho asomar el hocico puedan tocar más seguido. Es una de las patas
para que la música y la cultura se amigue con la gente, así que bienvenido
sea”, señaló el músico.
En el
comienzo del show, Iván puso mayor énfasis en su segundo disco solista «Nadie
sabe donde», lanzado en 2004, del que interpretó temas como “La chica que nadie
saca a bailar”, “La propina” y “Como el cangrejo”, a las que se sumaron “Un
minuto antes de dejar de quererte” («Preguntas equivocadas», de 2003), “Dame un
motivo” («Dicho y hecho», de 2009) y algunas canciones de la última etapa de Los
Caballeros de la Quema:
“Sapo de otro pozo” y “Otro jueves cobarde” («Fulanos de nadie», de 2000).
“Esta
semana se cumplieron 50 años de que cuatro tipos decidieron sacar un disco («Please
Please Me») que puso culo al
viento a la historia de la música popular contemporánea, desde ese momento
hasta hoy y probablemente hasta pasado mañana también. Vamos a hacer una canción
de esos señores, vamos a faltarle es respeto con mucho respeto. Estos señores
son los Beatles e hicieron hermosuras como esta, que vamos a destruir en este
momento”, explicó Noble, a modo de presentación, y luego tocó junto a su banda
una interesante versión del tema “Oh Darling”.
El recorrido por su etapa solista continuaba con “El chico de los mandados” y “Si
supiera cual es mi vaso” para instalarse en su más reciente trabajo: «La
parte de los Ángeles» (2011). Arriba del escenario, Noble se mostró distendido
e interactuando constantemente con la gente, tanto para hacer bromas cómplices
como también para adentrarse en temas más serios. “Hoy es un día muy especial y nuestra forma de
conmemorar el 24 de marzo de 1976 es estar acá cantando, porque en esos años no
se podía cantar en la calle”, expresó.
“Caí en la
cuenta de que este año se cumplen 20 años del primer disco que grabe cuando era
jovencísimo. No soy muy amigo de conmemorar, de poner una torta que diga 20 y
toda esa zaraza. Pero me dieron ganas de revisar canciones viejas, de todas las
épocas y entonces haremos un show el 13 y 20 de abril en el Nd Ateneo que se
llama ‘Historia clinica’, que se tendría que haber llamado prontuario, en el
que vamos a tocar dos o tres canciones de cada disco. Me siento un poco como
Los Chalchaleros”, anunció I.N. y en el cierre del show llegó lo que algunos
esperaban, dos clásicos del exitoso disco «La paciencia de la araña»: “Oxidado”
y “Avanti morocha”. En síntesis, fue una buena propuesta para romper con la monotonía
del domingo y para brindar un espacio para que las bandas puedan difundir sus
proyectos.
“Vas a iluminarlo todo, con tu
magia de otro mundo”
En el mismo
escenario, más temprano, se había presentado otro hijo prodigo del Oeste, Nicolás
Martín. El ex guitarrista de Nuca no recurrió a viejos temas de su anterior
banda sino que su propuesta artística está sustentada en el presente y,
también, en el futuro. Justamente el talentoso músico surgido de la mítica
Comunidad Yatay presentó algunos temas que integrarán su quinto disco solista,
«Nocturno», que se editará en mayo próximo.
“No se
vayan que ahora vienen los Nico Martín que son muy grossos”, fue la
presentación de Facundo Bugallo, el cantante de la banda Conexionistas, que había tocado en segundo turno
después de Fabricio Rodríguez y Mr. Mojo. Y Nico, que alguna vez firmó sus
primeros discos bajo el seudónimo de Pulso, no tuvo ningún inconveniente en ratificar
semejante introducción. “Estamos tocando las canciones del disco que vamos a
sacar en mayo y, bueno, ya falta poco”, indicó el cantante y guitarrista sobre
su repertorio, que cautivó a quienes ya lo conocían y sorprendió a aquellos que
lo escuchaban por primera vez.
Este
quinteto - que se completa con Mauro Duek, en guitarra; Alejo Lecuona, en
bajo; Matías Montes, en batería; y Guillermo Hindi, en piano - suena cada vez más compacto y logra
fusionar de manera muy eficaz la sensibilidad de la lírica de Nico con una
impronta pop-rock. En el cierre del recital, la banda tocó dos bellas composiciones
pertenecientes a su más reciente álbum («Marea viva»): “Vamos” y “Manzana” para
coronar una corta pero contundente actuación, en la que le transmitió al
público esa magia de otro mundo que emana de sus canciones.
Uno de los grandes referentes de la música del Oeste
presenta el primer corte de su segundo disco de estudio, que se llamará “Defensores
del Chaco”.
Lejos de ser sólo el cónclave del hip-hop, Morón siempre
tuvo mucha cumbia y ello se puede advertir desde el momento en que uno baja del
Sarmiento, el tren que atraviesa el Oeste. Tiene sentido entonces que un tipo
como Matías Méndez, El Chávez, oriundo de la ciudad de Morón, dedique su primer
álbum a éste lugar legendario.
El Chávez ha tendido un puente cultural al conectar el
circuito del rock y la música tropical, tras un gran 2012 con muchos shows por
todo el país, el cálido crecimiento y reconocimiento del público y la prensa.
Sin embargo, ex líder de Nuca vuelve a romper el molde y se
despacha con una ¡¡¡cumbia metal!!! llamada “El zonda” como adelanto de su
segundo álbum de estudio, “Defensores del Chaco”, que se editará a fines de
2013.
Escucha "El zonda"
El Chávez viene de una familia mestiza-rock muy influenciado
por el reggae y el dub, y por ello es dueño de un sonido único y bailable
presente en todas las pistas.
Miembro fundador de Arbol y Nuca. Productor de vanguardia,
trabajó con la primera línea de la música latina, produciendo los discos de
Gustavo Cordera (Bersuit), No Te va Gustar , Fidel Nadal, Kchiporros, Kapanga y
otros artistas nacionales e internacionales.
Su primer disco, “Morón City Groove”, es un gran álbum de
uno de los pioneros de la nueva tendencia de cumbia en Buenos Aires. Elegido
por la revista Rolling Stone como uno de los mejores lanzamientos en Argentina,
en 2010.
En el 2012, El Chavez lanza un EP super bailable llamado “Casanova
Style”, que
incluyó , entre otros, la reconocida canción “El nervio
popular” (cortina del programa de TV “El Puntero”) y “Queen of bongo”, versión del
tema de Manu Chao.
A fines del 2012, la banda lanza un nuevo single “La chica
de la tapa” (cortina de un conocido programa de TV en Paraguay) y en Junio de
2013, realizará su primer Tour por México.
El power trío realizó su primer show del año en Capital,
el pasado sábado, en un colmado Teatro Flores. Se trató de una presentación
contundente y distendida que incluyó algunos covers y varios músicos amigos
invitados.
Galería de fotos Actualmente Carajo tiene muchos proyectos por delante.
Mientras se encuentran trabajando en la preproducción del quinto disco de
estudio de su carrera, que ingresarán a grabar en abril próximo, el trío también
está preparando una reedición de su primer disco homónimo, con algunas rarezas
y un nuevo arte de tapa, a once años de su lanzamiento. Además, tocarán el
2 de abril como invitados de la fecha de A Perfect Circle y Tomahawk, en el estadio
Cubierto Malvinas Argentinas.
A falta de unos minutos para las 21, el público carajero advirtió
que la banda estaba lista para salir a escena y comenzó a entonar el redundante
cántico: “Pan y vino, pan y vino. El que no grita Carajo para que carajo vino”.
Hasta que se abrió el telón del ex Cine Teatro Fénix y la gente estalló en un
caluroso aplauso, y el grupo de Nu metal les retribuyó ese recibimiento
con una triada arrolladora: “Acido”, “Joder” y “La luna herida”.
“Es una noche de amistad, de amigos. La verdad que queríamos
invitar a un montón de músicos del Rock Nacional pero estaban todos tocando.
Llamamos a gente que les hubieran volado la cabeza, quedó pendiente para la
próxima. Igual tenemos amigos que nos hacen el aguante siempre”, explicó
Marcelo "Corvata" Corvalan, vocalista y bajista del grupo, el motivo
de la fecha.
Entre los “amigos” invitados estuvieron Javier “El Canario”
Compiano, cantante de Plan 4 y ex líder de Raiz; Sebastián Ariola, bajista y vocalista
de Kataflan (la banda que oficio como soporte en la fecha del pasado sábado en
el reducto de Flores); y Facundo Gattelet, guitarrista de Jaque Reina, entre
otros.
Carajo realizó una recorrida por toda su discografía plasmando
un repertorio sublime, sin grietas. Así sonaron “Virus anti-amor”, “Humildad” y
“Libres”, del disco “El mar de las almas” (2010); “Chico granada” y “Acorazados”,
de la placa “Inmundo” (2007); “Atrapasueños”, “El error” y “Triste”, del
álbum “Atrapasueños” (2004); y “Pura
vida” e “Ironía”, del debut “Carajo” (2001).
“Falta muy poco para que puedan tener en sus manos la reedición
del primer disco. Vamos a estar acá en mayo presentándolo. Quedó buenísimo”,
indicó Corvata, ex integrante de A.N.I.M.A.L., quien presentó un tema inédito
que robusteció la lista: “De hoy no pasa”. “Este tema hace mucho que no lo
tocamos, lo hicimos allá en los comienzos de Carajo para un programa de Rock
and Pop”, advirtió.
Como un adelanto de lo que vendría en el final del show, “El
Canario” Compiano aportó su contundente voz para interpretar el primer cover de
la noche: “I'm Broken”, de Pantera. En tanto que Sebastián Ariola hizo lo
propio con “Digging the Grave”, Faith No More.
Uno de los momentos más emotivos de la noche se produjo
cuando la voz líder de Carajo dedicó el tema “Zion” a la memoria de Federico Tocci,
baterista de Pacto de Fuerza, que falleció hace poco y se había declarado públicamente
fan de Carajo. “De parte de toda la banda, nuestro amor para la familia en este
duro momento”, expresó Corvalan.
En el cierre, Corvata tomó nuevamente la palabra: “Saben que
este era un show más distendido, bueno de ahora en adelante vamos a hacer todos
covers”, adelantó. Y a continuación sonaron las versiones de “Sad but true” de Metallica,
“Ace of spades” de Motorhead, “You shook me all night long” de ACDC (que fue
cantada por un joven del publico, tras una rápido casting) y “A donde esta la
libertad” de Pappo (en homenaje a uno de los más grandes guitarristas de la Argentina, al cumplirse
8 años de su fallecimiento).
Luego de un momento distendido, el inoxidable “Sacate la
mierda” puso fin a casi dos horas de show, en el que el vibrante y efectivo
power trío demostró que en la actualidad es una de las mejores bandas de la
escena nacional. VIDEO: - Little know it all (Cover Iggy Pop)
El líder de Los Gardelitos repasa su historia dentro de la banda: Sus comienzos en la música a los 16 años, lo difícil que fue reemplazar a Korneta y su nuevo rol como compositor.
“Empezamos tocando en bares en dúo con mi viejo. Era disfrutar de la música de la manera más pura e inocente, subir al escenario para estar conectado con algo que está por encima tuyo. Estaba buenísimo y me abrió un horizonte completamente distinto y mucho más profundo del que te puede ofrecer la sociedad cuando sos adolescente y te preguntan: ¿Qué querés hacer cuando seas grande? Sin querer yo estaba haciendo mi elección”, recuerda Eli Suárez los comienzos de Los Gardelitos, una de las bandas más convocantes de la actualidad. Luego de tocar durante un año y editar un primer demo, a ese dúo que formaba junto a su padre, el mítico Korneta, se sumó un baterista que trabajaba en la rotisería que tenían en La Paternal. En 1996 Bruno, el menor de los hermanos Suárez, se hizo cargo de los parches y Jorge Rossi, el único foráneo, ingresó como bajista. El 25 de mayo de ese año, en el marco del Ciudad Oculta Rock, debuta ese cuarteto, que es la primera formación oficial que graba los primeros tres discos. “La experiencia se volvió más intensa con una participación muy activa del público, y ya estábamos muy decididos a seguir con esto hasta el final”.
Con el grupo establecido, Los Gardeles abandonaron los bares y alquilaron lugares para organizar sus propias fiestas y recitales. Al mismo tiempo que comenzaron a tocar gratis, los domingos, en Parque Centenario sumándose a una movida de bandas en ascenso entre las que se encontraban Viejas Locas, Callejeros, Villanos y La Mancha de Rolando. “Cuando empezamos a tocar en Parque Centenario fuimos a buscar a la gente. Lo tomamos como un ejercicio de curtirnos en el escenario como banda y que las canciones tomen otro color a partir del contacto con la gente. Se trataba de historias que eran de la gente porque estaban tomadas de ahí, pero necesitábamos que volvieran a sus fuentes y que exista ese ida y vuelta”, sostiene Eli, sentado en un cómodo sillón del Old Rotten Bar de Ituzaingó. Si bien se puede advertir que no le fascina dar entrevistas, el cantante y guitarrista se explaya en todas las respuestas y busca las palabras precisas para expresar cada concepto.
El primer material que edita el cuarteto fue un demo que se conoció bajo en nombre de Rock Sudaka, sin embargo ese no era el título. “La gente lo tomó como el nombre del demo pero la intención era ponerle la etiqueta de lo que hacíamos”, comenta el líder del grupo, y explica cómo surgió el rotulo de Rock Sudaka: “Tiene que ver con distintos términos que la prensa especializada usaba para definir los estilos de las bandas, en ese momento era Rock Sónico. Entonces nos pareció ridículo y dijimos: ‘Vamos a inventarnos nuestra propia etiqueta’. A la vez, en forma seria, tratamos de definir una identidad, contar qué es lo que ves con respecto a los tiempos que corren desde esta esquina del mundo que es América del Sur. Eso, a nivel estético, podía abarcar distintos géneros y subgéneros como una chacarera o un reggae”
Luego de publicar Gardeliando (1998) y Fiesta Sudaka (1999), el ingreso de Martín Ale (bajo) y Horacio Ale (batería) produjo nuevos cambios en la formación. Y a poco de editar el álbum En tierra de sueños (Parte 2), el grupo sufrió el golpe más duro: El fallecimiento de su carismático líder, Eduardo Korneta Suárez. Esta difícil situación planteó una diyuntiva en cuanto a la continuidad de la banda. “No sabíamos qué íbamos a hacer. Ahí se vio el papel fundamental que jugó (y sigue jugando) la gente. Hicimos el show que teníamos programado en Cemento como trío y la gente colmó la capacidad. De forma natural existió un guiño para que la banda siguiera adelante. Lo que se vivió esa noche me hizo continuar pero se me cruzaron miles de cosas por la cabeza, y llega un punto que ya no podes hacer caso a lo que pensas y haces caso a lo que sentís, que es seguir adelante. La música pasa a ser tu vida y estar arriba del escenario es más sagrado de lo que era antes, porque es un lugar para entrar en comunión con la gente que está ahí esa noche, y también con los que no están. Todo tomó otra dimensión.”
Resuelta la continuidad de Los Gardelitos, Eli tuvo que hacerse cargo no sólo del liderazgo del grupo sino también de ponerle su voz a las canciones de su padre. “Fue como crecer en vivo. Estuve 10 años haciéndole los coros a mi viejo y el primer show que tuve que cantar había dos mil personas enfrente. Fue muy fuerte. Aparte la gente estaba acostumbrada a que durante 10 años estuvo al frente Korneta, que tenía una presencia enorme en el escenario. Sin ánimo de querer ocupar ese lugar, tenés que hacerte cargo de la situación casi sin tiempo de prepararte, porque desde que fallece mi viejo (12 de mayo) hasta el primer show pasaron 13 días.” La composición fue otra de las obligaciones que recayeron sobre el primogénito, que de a poco se va animando: “Siempre estuvo muy claro el rol de cantautor de Korneta, entonces yo me quedaba tranquilo al saber que lo hacía él. Y de pronto tomar la responsabilidad de sentarte a hacer las canciones lleva un tiempo, porque necesitas estar en armonía con la obra que ya esta plasmada en los discos. La idea es siempre dar lo mejor por eso también hay mucho respeto, quizás demasiado, que se transforma en un temor. Me siento seguro con los pasos que voy dando. Son solo dos canciones que estoy incorporando al repertorio pero por suerte me siento seguro de esos dos temas.”
De cara al futuro del grupo, Puño y letra es el segundo tema que compone Eli desde el fallecimiento de Korneta. Esta canción alberga una conexión con los orígenes de su padre. “Este verano estuve en Mendoza y me dio una perspectiva sobre lo que quería decir. Me enteré que el autor de Zamba de mi esperanza era de San Martín, el pueblo donde nació mi viejo, y que Jorge Cafrune fue la inspiración en su sueño de ser cantor, porque de chico lo vio cantar, quedó alucinado y quiso pasar a saludarlo. Cuando lo conoció, Cafrune le dio una mano enorme y cálida. Curiosamente yo guardo el mismo recuerdo de mi papá: Una mano grande y cálida”, recuerda emocionado Suárez. Otras cuestiones despertaron el interés de Eli en ese viaje de redención: “Zamba de mi esperanza estaba prohibida por los militares, no por su contenido explicito sino por la maquinaria perversa que ejecutaron para que la gente pierda las esperanzas. Y Cafrune, que le sobraban las pelotas, la cantó en Cosquín, en 1978, porque su público se la pedía y, al mes, murió en una situación bastante sospechosa. Esto me pegó mucho por eso la letra dice: ‘No bajamos los brazos por cantar una canción aunque nos rompa en pedazos’, en el sentido de jugarte la vida por lo que decís. Esto lo viví junto a mi viejo porque él era así, y siempre despertó mi admiración en gente como Luca Prodan, Cafrune y Atahualpa Yupanqui, que también han sido mi inspiración.”
“PUÑO Y LETRA”
Actualmente la banda se encuentra presentando su DVD en vivo Cine Teatro Los Gardelitos, que fue registrado en el Teatro Flores, en el cierre de la Gira Oxigenada, con una formación de cuarteto (Eli - voz y guitarra, Fede Caravatti - guitarra y voz, Diego Rodríguez – bajo, y Paulo Bellagamba - batería). “Ese show se hizo el 11 de diciembre, el aniversario del nacimiento de Carlos Gardel, y jugamos un poco con el nombre del lugar, que antiguamente se conocía como Cine teatro Fénix. Le pusimos Cine teatro Los Gardelitos porque El Fénix pasamos a ser nosotros. Es como un renacer para la banda.” Como el material no se encuentra disponible en disquerías, el grupo esta haciendo un trabajo de hormiga para acercarlo a cada rincón del país, retomando la propuesta que habían pergeñado con Gardeliando, pero de forma más ambiciosa. “Lo estamos haciendo llegar a cada provincia de nuestro país en el formato entrada + DVD. Es una especie de cruzada tratando de continuar con esa idea que tuvimos cuando sacamos el primer disco: Presentarlo en cada barrio que se mencionaba en la canción que le daba nombre.” Con el alejamiento de la segunda guitarra, volvieron al formato de trío bien rockero y aún no piensan en un nuevo disco de estudio: “La forma de trabajar es presentar temas nuevos para que se vayan curtiendo al calor de la gente y descubrir el sonido de este trío arriba de las tablas. Esas canciones van a marcar una pauta para lo que se viene pero nos tomaremos nuestro tiempo para terminar de consolidarnos y disfrutar del momento, de esto que es nuestro sueño de chicos: Dedicarnos a tocar en una banda de rock.”
“MEZCLAS RARAS” DEL DVD “CINE TEATRO LOS GARDELITOS”
Los Gardelitos se presentarán este viernes 21 y sábado 22 de septiembre en El Teatro Sala Opera (58 entre 10 y 11 - La Plata). Luego, el viernes 28 de septiembre en El Galpón de la Vieja Estación (Facundo Quiroga 1000 - La Rioja), el sábado 29 de septiembre en Club Villa Cubas (Av. Ocampo 640 - Catamarca) y el domingo 30 de septiembre en Cayococo (Autopista Juan Perón – La Banda, Santiago del Estero).
* Publicada enRock.com.ar
Después de tocar frente a más de 25 mil personas en la explanada del Estadio Único de La Plata, la banda uruguaya presenta el primer corte de difusión de su séptimo álbum de estudio: El calor del pleno invierno.
Con el mismo tratamiento que se le da a los bienes escasos y preciados, con ese
cuidado y dedicación es que NTVG se embarcó, en febrero 2012, a trabajar en las
canciones que formarían parte de su nuevo disco: “El calor del pleno invierno.”
Con una base de 30 canciones, la banda se concentró en su particular método
de selección artesanal en el estudio de Montevideo “Elefante Blanco” junto a
los productores Federico Lima y Sebastián Peralta, dupla que había atraído la
atención de la banda por su trabajo en el disco “Aurora” de Socio.
El primer corte de difusión de “El Calor del pleno invierno” es “A las nueve”. Al igual que en el resto del disco, los seguidores de la banda van a reconocer inmediatamente el característico y mordaz equilibro entre la amargura existencialista y el optimismo mas guerrero, solo que en esta oportunidad, el contexto y la coyuntura íntima del grupo, hacen que esto adquiera una dimensión casi mágica.
El power trio presenta el primer corte de su nuevo trabajo de estudio, que verá la luz a fines de
Octubre.
Eruca Sativa editará en breve su tercer disco de estudio titulado "Blanco", y para amenizar las espera presenta el primer corte: "Fuera o más allá", El tema que inaugura el disco fue elegido como carta de presentación del nuevo material porque enlaza conceptualmente al álbum con su precursor "ES", y deja notar la renovación en el audio y en la manera de reinventarse del trío.
La placa comenzó a componerse a lo largo del 2011 para dar inicio a la grabación en julio de 2012 en MCL Records, el estudio de Villa Ortuzar (CABA) en donde también se grabó "La Carne" (2008) y "Es" (2010). "Blanco" está compuesto por 15 tracks y tiene un desarrollo musical diferente pero manteniendo la esencia que caracteriza a Eruca Sativa.
"Hemos logrado un gran objetivo creativo y artístico en cinco años de trabajo", comenta el grupo. El lanzamiento oficial del disco será hacia fines de Octubre de 2012 seguido por la reedición de sus anteriores álbumes. Eruca Sativa estrena en vivo "Blanco" en el "Teatro Vorterix" de Colegiales el sábado 3 de Noviembre. La gira presentación continuará el sábado 10 de Noviembre en La Trastienda de La Plata, viernes 16 de Noviembre en GAP de Mar del Plata, viernes 23 de noviembre en Molino Marconeti de Santa Fe, sábado 24 de Noviembre en Willie Dixon de Rosario, y viernes 30 de Noviembre será el cierre de la gira en la ciudad que dio nacimiento al Power Trio: Studio Theater, en Córdoba Capital.
En el marco de la celebración de sus 20 años de carrera, la banda uruguaya regresó a la Argentina para presentarse, el sábado pasado, en la Fiesta Clandestina.
Tomando como uno de sus principales referentes a Mano Negra, La Abuela Coca surgió en Montevideo, en 1991, con un sonido novedoso que fusionaba diversos ritmos musicales como salsa, rap, candombe, rock, hip-hop, jazz y ritmos brasileños. Este sonido, bautizado por ellos mismos como "tuco", los convirtió en los pioneros de la nueva generación del rock uruguayo, a la que se sumaron poco tiempo más tarde La Vela Puerca y No te va gustar. Coincidiendo con la celebración de sus 20 años en la ruta, el grupo montevideano regresó a la Argentina luego de una larga ausencia para presentarse en Grow (ex The End) en la Fiesta Clandestina, como lo habían hecho la última vez de este lado del charco (el 9 de octubre de 2010, junto a Kapanga, en Groove).
“Buenas Noches. Realmente es un placer estar por acá nuevamente, y es una alegría enorme estar festejando los 20 años de Abuela Coca con ustedes. Muchísimas gracias por invitarnos”, saludó Gonzalo Brown (voz), y el público, que estaba ansioso por verlos nuevamente, estalló en aplausos. De esa cordial apertura, directo a los bifes. Para empezar bien arriba La Abuela exhibió su faceta rockera con “El artesano”, luego impusieron su impronta latina con “El ritmo del barrio” (tema que daba título a la placa que los catapultó a la masividad) y volvieron al rock con “Veo veo”, demostrado la diversidad de géneros musicales que conviven en el repertorio del grupo.
La disposición de la banda en escena no es la que suele predominar en el mundillo del rock. Partiendo del hecho que Abuela Coca es un monstruo de dos cabezas: Gonzalo Brown y Alfredo Chole Gianotti, inquietos e incansables líderes, que se ubican bien al frente y desde ahí dirigen la batuta e interactúan con el público; a su derecha se ubica el excelente trío de vientos conformado por Paulo Zuloaga (saxo tenor y soprano), Andrea Viera (saxo alto) y Martín Morón (trombón); en la segunda línea se encuentran el guitarrista Roberto Palito Elissalde, el bajista Fernando Porno Vera y el tecladista Nacho Algorta; y en el fondo, cuidando las espaldas, el baterista Eduardo Chancha Elissalde.
Acostumbrados a tocar en los grandes festivales, los uruguayos proponen un show intenso y emotivo combinando con gran efectividad sus grandes clásicos con algunos temas de su más reciente producción. De esta manera “Templo” del exitoso disco «El ritmo del barrio», se mezclaba con “Paso a paso” («Vos», editado en 2010) y con “Rap del resbalón” (del álbum en vivo «Asesinos son» de 2007). La lista seguía tomando forma con dos temas del disco «El Cuarto de la Abuela» (“A eso voy” y “Mala Herencia”), para conducir a los aires salseros de “Para ver las estrellas” (en el que Andrea Viera dejó el saxo para deleitar a los presentes con el sonido dulzón de la flauta traversa).
Sobre el final del show, el público tomó cierto protagonismo entonando el estribillo de “Asesinos son” (“Son los asesinos de la Abuela Coca”, que con el recital que estaban dando, esa frase cuadraba a la perfección) y bailando con la explosiva “Nada es como me lo imaginaba” y la contestataria “Santa Soledad”, que culminaba la lista. Pero luego de tanta espera, la gente no iba a dejarlos ir tan fácilmente y comenzó a pedir un poco más de Abuela Coca. Ante el pedido, regresaron para interpretar “Voy a buscar en mi” y “Afoxe”, y se despidieron emocionadamente: “Nos vemos. Muchísimas gracias de corazón. Chau”. Con una gran presentación, Abuela Coca ratificó su vigencia y la devoción del público argentino por su música. En los suspiros de la gente se podía advertir el deseo: “Ojala que vuelvan pronto”.
El Siempreterno nació en la cabeza de Rotman como una idea de laboratorio: Un disco de punk rock en el que cada tema fuera tocado por un guitarrista distinto. A eso le sumó unas canciones que le habían quedado sin grabar de la época de Cienfuegos, la banda punk que tuvo, en forma intermitente, durante casi treinta años con Fernando Ricciardi, Hernán Bazzano y los hermanos Diego y Martín Aloe, y con la que grabaron tres discos antes de que la situación se tornara tensa. Ante las pocas probabilidades de una reunión de Cienfuegos, convocó a Ricciardi y a Álvaro "El Ruso" Sánchez para que se hicieran cargo de batería y bajo, y él mismo grabó una guitarra rítmica. Cómo considera que Ariel Minimal es uno de los mejores tres violeros a nivel nacional, fue a la sala de Pez para que escuchara los temas y fuera el primero en grabar alguna guitarra. Las cosas resultaron mejor de lo esperado porque en una tarde grabaron todas las guitarras del disco, y el resultado superó las expectativas: Rotman se fue de la sala consciente de que esa era la formación.
Con menos de 10 shows encima, un excelente debut discográfico y un segundo disco que estaban lanzando el mismo sábado, este supergrupo (que además incluye a Midnerély Acevedo, en vos) colmó la capacidad de Groove. “Es bastante ridículo para una banda con nueve shows y un disco y medio que haya venido tanta gente”, reconoció Rotman durante la presentación. Sin embargo, en el estilo musical de El Siempreterno convive la novedad de este nuevo proyecto y, a la vez, una reencarnación más sofisticada pero igual de potente de Cienfuegos. Y así se percibió en el intenso concierto del fin de semana pasado, entre la actualidad de una de las mejores bandas para ver (y disfrutar) en vivo y un revival de aquellos ásperos 90. Luego de la triada (“Bajo este sol”, “Más de lo mismo” y “Rohypnol”) del homónimo primer álbum que abrió la velada, llegó una de las primeras sorpresas de la noche: “Vamos a hacer una canción de Todos Tus Muertos, el que la sabe puede cantarla”, anunció el líder del grupo y dio paso a una interpretación emocionante, oscura y potente de “Fallas”, que retrotrajo a esa escena noventosa cuyo reviente artístico sacudía oscuros y malolientes sótanos porteños.
“Vamos a darle la bienvenida a nuestro nuevo disco. Si los otros temas los conocían poco, los que vienen ahora no los conocen en lo más mínimo. Lo cual es un excelente suicidio artístico”, introdujo Rotman en el motivo del show: Presentar en sociedad la segunda placa Hacia el mar de carbón, que según el ex Cadillacs “habla de temas comunes como la muerte, la traición y el odio”. El repaso por el nuevo material arranca con “Nota suicida”, y la sucesión sigue con “Joven muerto en Juana Díaz” (“Juana Díaz es una ciudad de Puerto Rico, en donde matan a más gente de la que está viva”, aclaró el cantante), pasado por el tema que da título al disco, luego “Traición” y “Noviembre” (cover de la banda española Décima Victima). “Que estén en esta presentación de canciones que aún no conocen habla muy bien de vosotros”, arengó al público SR antes del último estreno: “Full coma” (con explicación incluida: “Es el estado en el que estás cuando no te podes levantar a la mañana siguiente”).
Al frente de la banda, Rotman exhibe su habitual energía, revolea su frondosa cabellera, bailotea frenéticamente, acompaña con su guitarra y, sobre todo, se lo nota de muy buen humor bromeando en la interacción con la gente: “¿Quién tiene el primer disco de El Siempreterno?”, pegunta y, frente a una amplia cantidad de manos levantadas, replica: “Ah… son más de los que fabricamos”. Justamente un encadenamiento de temas de ese material expone la diversidad musical que en él conviven: la explosión punk de “Inyección de amor”, los aires pop de “Contradios” y el bolero “La vieja casa” (“Obviamente robado de ‘Back to the old house’ de los Smiths”, reconoce); y conduce a una impronta psicodélica de la mano de una versión de “Hall of mirrors” de Kraftwerk. ¿Y que se puede decir del resto de la banda? Mimi Maura deleita con su potente y virtuosa voz; Minimal hipnotiza y cautiva desde las seis cuerdas de su viola con una exquisita parsimonia; Ricciardi demuestra su vigencia y sorprende a unos cuantos con su forma de tocar; y El Ruso Sánchez, el menos conocido de todos, ratifica musicalmente porqué forma parte de este proyecto.
Si lo expuesto por la banda hasta ese momento no hubiera sido suficiente como para considerarlo uno de los mejores show de los últimos tiempos, la presencia del guitarrista Hernán Bazzano (ex Cienfuegos) terminaría de confirmarlo. Ante una gran ovación para el invitado, Rotman nuevamente toma la palabra y deja abierta la puerta a una posible reunión: “Ojala que algún día, Cienfuegos vuelva a juntarse y hacer un show entero. Mientras tanto elegimos hacer solamente un grupo de canciones para su placer, que no es el mío”. Dentro de ese conjunto de temas suenan “Moonage daydream” de David Bowie, “Hacia el cosmos” y “La eternidad”. Y más allá de que las declaraciones hayan sido pura demagogia o una expresión sincera, al público poco le importa ya que con esas tres canciones parece que el lugar se va a venir abajo. La recta final de la presentación comenzaba a asomar. “En nombre de la banda, gracias por haber venido esta noche. Ha sido un honor y ha sido increíble que hayan soportado estoicamente un disco entero nuevo, que no es justamente la alegría de vivir”, se despidió Rotman, y sonaron “Bebiendo ansiedad” y “7eleven” (Dedicado a “un conocido negocio de comida rápida”).
En el público - que lucía diversos estandartes que iban desde Los Fabulosos Cadillacs, Pez o Cienfuegos, hasta Los Ramones y The Smiths - nadie amago siquiera a moverse de sus lugares esperando por el retorno del quinteto para los bises. Para fortuna de los espectadores así fue. El Siempreterno regresó a las tablas para brindar un cierre con “los clásicos del rockero con onda” (Rotman dixit): “Baba O'riley” de los Who y “Gimme Gimme Gimme” de Black Flag, pusieron fin a un show de casi una hora y media. Con el tópico de la desesperanza y la muerte como guía, este supergrupo busca exorcizar los demonios de la raza humana mediante una revolución del alma. Y para ello nada mejor que una buena dosis de punk rock crudo y visceral.
Antes de desembarcar en Ultra el próximo 28 de julio, el ex guitarrista de Nuca presenta el videoclip del tema Vamos, primer corte de Marea Viva.
"Vamos es la canción que más me gusta del disco. Es una de las primeras que escribí para el disco Marea Viva y fue de una manera muy especial: Empezó con algo que soñé (como sugiere la estrofa) y la escribí toda de un tirón, una mañana”, explica Nico Martín sobre la elección de este tema como primer corte de su cuarto disco de estudio, que casualmente también coincidió con la visión del director del video, Fer Radl. “Cuando nos reencontramos con Fer le pase el disco y fue una de las canciones que le gustaron para hacer un video”.
Por lo que se pude apreciar y haciendo un análisis algo trivial, el video manifiesta un momento de quiebre entre una época anterior en la carrera del músico y una proyección hacia el futuro como banda. En la sucesión de imágenes, la aparición de Juan Graña (Shambala), por un lado, y la banda que lo acompaña actualmente, por el otro, da la impresión de una ruptura y el comienzo de una nueva etapa. Pulso (seudónimo que utilizó en los primeros años de su carrera solista) dilucida la idea que quisieron plasmar en el videoclip: “Habla de un momento de inflexión, de un camino que se elige y del sabor que deja no saber cómo son los caminos que no se eligieron, pero como dice la canción: ‘Sabemos a donde vamos’. El encuentro del final me gusta mucho, es muy simbólico y muy representativo de la canción”, y aclara sobre sus composiciones: “El tipo de canción que escribo, en general, son imágenes y sensaciones que disparan significados. No suelen ser historias concretas. Siempre hay algo que se dice, aunque no sea directo.”
Red Coco es la productora de contenidos audiovisuales que se encargó de la realización de esta estupenda obra. Conformada por Fer Radl, Martin Farina, Juan Pablo Delpino y Alejandro Armaleo, ha realizado trabajos con diversos artistas como Gustavo Cordera (La bomba loca y Aprendiendo a volar), El Chávez (El nervio popular, Monterrey, San Genaro), Fabiana Cantilo (Micron de segundo y Una vez más), Iván Noble (Si supiera cual es mi vaso y El chico de los mandados), entre otros. “Todo empezó con Fer y con una amistad de tantos años, las vivencias con toda la gente de Yatay (donde se grabo Girasoles De Plomo, y en la casa de los Yicos grabamos Jugo de Limón). Después de un tiempo largo sin vernos nos encontramos en el lanzamiento del primer disco de Doña María en el teatro IFT, yo abrí el evento (acústica en mano). Un rato antes tuvimos una charla muy intensa en un camarín (una charla muy Vamos) y ahí quedo la certeza de que íbamos a hacer algo juntos en algún momento y fue un acierto. Tienen un equipo de grosos totales y se entregan con todo al trabajo que están realizando”, comenta Nico.
En una entrevista con El Chavez, me decía que en los videos de Nuca que habían hecho con cineastas, él sentía que no había quedado plasmada la idea. En cambio al trabajar con Fer Radl estaba más conforme con el resultado final porque, además de ser director es músico, y comprendía el concepto que pretendía darle a los videos. ¿Te paso algo similar?
- Sí, los videos de Nuca dejan mucho que desear. Tengo la sensación de que Fer enseguida sabe que quiere mostrar y cómo hacerlo. En su realización, Vamos fue diferente a lo que venía haciendo (dicho por él mismo) porque se trabajo con mucha gente y en muchos momentos diferentes. Fue un viaje muy lindo y es una interpretación de la canción muy romántica y muy profunda.
El próximo 28 de julio, Nicolás Martín se presentará en Ultra junto a la increíble banda que lo acompaña desde hace dos años. El guitarrista nos adelanta algo del concierto: “Va a ser un show nocturno y crudo. Vamos a presentar dos canciones nuevas, del manojo de canciones que estamos trabajando para el disco nuevo, que va a ser grabado a fin de este año. Como grupo ya empezamos la transición entre Marea Viva y el disco que viene, y eso se refleja mucho en el sonido de la banda, una suerte de cambio repentino de tono y expresión”.
